Кубизм в искусстве

Медицина
31 октября 2019

Кубизм в живописи: история, виднейшие представители, картины

Кубизм в искусстве

История кубизма в живописи ведёт своё начало от “Авиньонских девиц” Пабло Пикассо, написанных в 1907 году под влиянием африканской скульптуры и творчества Поля Сезанна…

на фото: Пабло Пикассо

В начале ХХ века в живописи (и не только) происходит глобальная революция: художники, игнорируя условности академической школы и реализма, свободно экспериментируют с формой, цветом, аппликацией и другими выразительными средствами, в результате чего возникает ряд модернистских направлений в изобразительном искусстве. Одним из них является кубизм.

“Портрет Анны Ахматовой”, Натан Альтман, 1914, Государственный Русский музей, Санкт-Петербург

История кубизма в живописи ведёт своё начало от “Авиньонских девиц” Пабло Пикассо, написанных в 1907 году под влиянием африканской скульптуры и творчества Поля Сезанна.

“Авиньонские девицы”, Пабло Пикассо, 1907 (243,9х233,7, холст, масло), Музей современного искусства, Нью-Йорк

Фигуры девиц на картине изображены контурно, светотени и перспектива отсутствуют, задний фон раздроблен на осколки разной формы.

Тогда же, в 1907 году, Пабло Пикассо знакомится с молодым, но уже показавшим высокие результаты в фовизме (ещё одно модернистское направление начала ХХ века), художником Жоржем Браком. Совместно они становятся основоположниками нового направления в живописи – кубизма, проводят постоянные встречи, обсуждения, обмениваются находками.

“Тарелка и блюдо с фруктами”, Жорж Брак, 1908, частная коллекция (46х55, холст, масло)

Название “кубизм” появилось в 1908 году, когда художественный критик Луи Воссель назвал новые картины Брака “bizarreries cubiques”, что в переводе с французского означает “кубические причуды”.

К новому направлению присоединились художники Хуан Грис, Мари Лорансен, Фернан Леже. В продолжение нескольких лет в стиле кубизма начинают работать Робер Делоне, Альбер Глез, Анри Ле Фоконье, Жан Метценже, Франсис Пикабиа и другие.

 

“Гитара на столе”, Хуан Грис, 1915, Rijksmuseum Kröller-Müller, Оттерло, Нидерланды, (73х92)

Поль Сезанн и его роль в возникновении кубизма

Первый период кубизма называется “сезанновский”, так как художники-кубисты продолжили эксперименты Поля Сезанна (1839-1906) с формой, перспективой и поиском новых композиционных решений.

“Пьеро и Арлекин”, Поль Сезанн, 1888, ГМИИ им. А.С.Пушкина, Москва

Картина “Пьеро и Арлекин” была написана Полем Сезанном в 1888 году, то есть, за 19 лет до возникновения кубизма как отдельного направления.

В этой работе прослеживается проработка художником геометрических форм (кругов, овалов и ромбов), направление линий рисунка к некоторой точке, а также нестандартный угол зрения: зритель смотрит на персонажей как бы немного сверху и слева.

Перспектива изображена неправильно: создаётся впечатление, что Пьеро и Арлекин находятся в разных пространственных измерениях. Оригинальное композиционное решение создаёт эффект изломанности, механичности и марионеточности движений фигур несмотря на то, что это – живые персонажи с живыми лицами.

В письме к художнику Эмилю Бернару (около 1904 года) Поль Сезанн писал: “Нужно вернуться к классицизму через природу, иначе говоря, через ощущение. В природе всё лепится на основе шара, конуса и цилиндра.

Рисунок и цвет неразделимы, по мере того, как пишешь, – рисуешь: чем гармоничнее делается цвет, тем точнее становится рисунок. Когда цвет достигает наибольшего богатства, форма обретает полноту.

Контрасты и соотношения тонов – вот весь секрет рисунка и моделировки”.

Стадии [фазы] кубизма

В теории искусствоведения выделяют III стадии [фазы] кубизма:

I стадия: сезанновский кубизм (1907 – 1909) – выделение геометрических форм фигур и предметов, отделение формы от пространства/плоскости.

II стадия: аналитический кубизм (1909-1912) – дробление форм на грани и срезы, построение композиции при помощи коллажа из пересекающихся срезов и плоскостей, стирание граней между формой и пространством, визуальное взаимодействие формы и пространства.

“Скрипка и подсвечник”, Жорж Брак, 1910, San Francisco Museum of Modern Art (61х50, холст, масло, направление “аналитический кубизм”).

III стадия: синтетический кубизм (1913 – 1914) – с помощью геометрических форм и их фрагментов конструируются новые объекты, которые обладают реальностью сами по себе, а не являются изображением видимого мира. Коллажи создаются, в том числе, с помощью аппликаций, которые наиболее часто представляют собой фрагменты газетного листа, вклеенного в композицию.

 

“Le Jour”, Жорж Брак, 1929, National Gallery of Art, Вашингтон (115х146,7, холст, масло, направление “синтетический кубизм”)

Таким образом, кубисты разложили предмет на геометрические элементы и отделили его от пространства, форму предметов показали в срезах, изгибах, под разными углами зрения, в бессистемных репликациях и других видоизменениях.

Начавшись во Франции, кубизм стал популярен в разных странах мира, в том числе, и в России. К наиболее выдающимся (виднейшим) представителям кубизма в живописи относят Пабло Пикассо, Жоржа Брака, Фернана Леже, Хуана Гриса.

Впоследствии художники-кубисты начнут осваивать новые направления, и примерно с 1925 года кубизм постепенно пойдёт на спад, внеся свой важный вклад в развитие живописи.

автор: Елизавета Мельниченко

Лучшие картины в стиле кубизм

Кубизм в искусстве

Содержание:

Кубизм – модернистское течение в искусстве, в большей степени в живописи, иногда в скульптуре и архитектуре, которое заставило художников по-другому посмотреть на примитивное искусство. Особенностью кубизма является то, что он, в отличие от классического искусства, не основывается на имитации.

Кубизм в живописи

Картины кубистов всегда легко узнаваемы благодаря их плоскому, двумерному виду. В этом стиле применяется стандартная цвето- и световоздушная среда и довольно простая линейная перспектива: кубистические картины характеризуются обилием геометрических форм, линий и острых углов, а также преднамеренно скромной, нейтральной цветовой гаммой.

В отличие от традиционных натюрмортов, пейзажей или портретов, кубистические картины не должны выглядеть реалистично. Вместо того, чтобы рассматривать объект с одного возможного угла, художник как бы дробит изображение на части, а затем уже складывает вместе фрагменты с разных выгодных точек обзора в одну картину.

Многие считают, что кубизм – некое ответвление абстракционизма, в то время как он является таким же самодостаточным направлением авангардного искусства.

Стадии кубизма

Как правило, выделяют две основные стадии стиля кубизм: аналитический и синтетический.

  • В аналитическом кубизме художник пытается представить более полное, детализированное пояснение объекта, нарушая барьеры пространства и времени. Он разбивает предмет на отдельные блоки и реконструирует его согласно собственному видению. Именно такой вид кубизма обычно приходит на ум, когда люди думают про картины в этом стиле.
  • Синтетический кубизм – естественное продолжение аналитического кубизма, берущее начало в 1912 году. Он заключается в том, что на основе картины формируется коллаж из отдельных частей, обычно с использованием газет, цветной бумаги и т. д. Эти части представляют собой разные блоки изображаемого объекта. Но нередко художники не составляли коллаж, используя дополнительные материалы, а полностью рисовали его.

Кубизм: художники

Наиболее известной фигурой в направлении кубизм является испанский художник Пабло Пикассо; именно он – основоположник кубизма, наравне с французским кубистом Жоржем Браком.

Возникло это направление во Франции, в 1906-1907 годы. Название направления появилось благодаря французскому художественному критику Луи Вокселю, который в 1908 году описал серию картин Жоржа Брака (изображения деревьев и гор в виде кубов и пирамид) как «кубические причуды».

Другие представители кубизма: Хуан Грис, Марсель Дюшан, Фернан Леже. Однако не все работы этих художников выполнены строго в стиле кубизм; чаще всего они включают в себя элементы и других направлений.

Известные картины в стиле кубизм

Жорж Брак, «Мандора» (1909-1910)

Это пример ранней живописи в стиле кубизм – его аналитической стадии. Брак решает отказаться от написания пейзажных сюжетов и остановиться на натюрмортах. На картине изображен музыкальный инструмент – маленькая лютня под названием мандора.

Нейтральная цветовая гамма картины является индикатором первых попыток Жоржа Брака в создании разных взглядов на один и тот же предмет – художник экспериментировал скорее с композицией и репрезентацией музыкального инструмента, чем с яркими цветами.

Пабло Пикассо, «Три музыканта в масках» (1921)

Хотя основной период кубизма в творчестве Пикассо приходится на 1909-1917 годы, в 1921-м, незадолго до погружения в сюрреализм, он пишет эту кубистическую картину.

Ее интерпретируют как ностальгические воспоминания художника о былых временах: в центре картины сидит сам Пикассо, переодетый в Арлекина, и по обе стороны от него сидят старые друзья: Гийом Аполлинер (в костюме Пьеро), который умер в 1918 году, и Макс Жакоб (монах), с которым Пикассо перестал поддерживать связь.

Картина представляет собой квинтэссенцию синтетического кубизма. Фигуры персонажей выглядят так, будто бы они приклеены на полотно, отдельно одна от другой.

Увидеть эту работу можно в Художественном музее Филадельфии.

Хуан Грис, «Фантомас» (1915)

Хуан Грис разработал технику коллажирования, при которой он вставлял элементы из газет и журналов в абстрактную живопись. Иногда это бывали настоящие коллажи, а иногда — картины этих коллажей. В этой технике выполнена работа «Фантомас».

Она изображает вид сверху на деревянную столешницу, заваленную периодическими изданиями, включая роман из популярной криминальной серии под названием «Фантомас». Так, Грис стал первым кубистом, использовавшим яркий цвет и свет в своих работах, что впоследствии вдохновило Пикассо и Брака на синтетический кубизм.

Находится эта картина в Национальной галерее искусства в Вашингтоне, США.

Фернан Леже, «Дама в голубом» (1912)

Леже демонстрирует ранний интерес к геометрической абстракции, которая словно плавает внутри холста. Элементы произведения раздроблены на отдельные части, чтобы передать впечатление художника от современной жизни – таким образом Леже хотел выразить суть характера главного персонажа картины, женщины, а не ее внешний облик.

Увидеть эту работу можно в Базельском художественном музее в Швейцарии.

Видео, раскрывающее историю жизни художника Пабло Пикассо, можно посмотреть далее:

5 самых ярких представителей кубизма

Кубизм в искусстве

Знаменитые кубисты и их работы.

В начале прошлого столетия во всех областях искусства происходят большие перемены.

Художники решают отказаться от старых канонов живописи, считая их скучными, и стремятся пробовать новые, совершенно неизвестные до тех пор, техники.

Живописцы ставят множество экспериментов с цветом, начинают использовать декоративные материалы, что со временем привело к формированию нового направления живописи, которое назвали кубизм.

Обнаженная, спускающаяся по лестнице. Марсель Дюшан

Как и во всех направлениях живописи, в кубизме можно выделить несколько самых ярких и запоминающихся личностей.

1.Пабло Пикассо

Данного живописца можно смело назвать отцом кубизма, ведь именно его картина «Авиньонские девицы», написанная в самом начале 20 века, положила начало данного направления.

За всю свою долгую жизнь Пабло Пикассо написал около двух десятков тысяч картин. За свою творческую карьеру он сменил несколько направлений живописи. Помимо кубизма он прошел через сюрреализм и постимпрессионизм. По данным экспертов, Пикассо является самым дорогим живописцем во всем мире.

2. Жорж Брак

Данный живописец начинал свою творческую карьеру в роли декоратора, немного работал в фовизме. Через некоторое время начал проявлять большой интерес к картинам Поля Сезанна, относящимся к кубизму, что сподвигло его резко сменить свой стиль живописи и примкнуть к рядам кубистов.

После начала работы в кубизме художник познакомился с Пабло Пикассо, который оказал на него большое влияние и вдохновлял его долгие годы. Вдвоем они внесли огромный вклад в основание кубизма.

3. Хуан Грис

Хуан Грис — испанский художник, которого также можно отнести к основоположникам кубизма.

На ранних этапах творческой карьеры его картины можно было отнести скорее к модерну. После переезда в Париж художник попадает в круг известных художников, работающих в кубизме, Брака, Пикассо и Леже. Общение с опытными коллегами помогло молодому художнику выбрать для себя творческую линию и работать по ней.

Портрет Пикассо. Хуан Грисс

4. Поль Сезанн

Поль Сезанн — знаменитый французский художник, один из самых вдающихся представителей постимпрессионизма.

Несмотря на то, что художник стоит у истоков постимпрессионизма, которому он посвятил всю свою творческую жизнь, он также сделал большой вклад в основание кубизма, сам того не осознавая.

За два десятка лет до основания кубизма, Сезанн написал картину «Пьеро и Арлекин», в которой использовал геометрические элементы.

Данная картина вдохновила многих других художников на использование похожей техники, что привело к возникновению отдельного художественного направления.

Пьеро и Арлекин. Поль Сезанн

5. Фернан Леже

Фернан Леже — известный художник из Франции, внесший большой вклад в историю кубизма и абстракции.

Художник учился рисовать в Париже, подрабатывая чертежником и посещая занятия в школе искусств. При переезде в Париж также, как и многие другие начинающие художники, заводит много полезных знакомств с известными живописцами, которые всегда являются объектом вдохновения и готовы помочь новичкам.

Строители. Фернан Леже.

Кубизм, Жорж Брак, Пабло Пикассо, Фазы кубизма

Кубизм в искусстве

«Это начало совершенно нового искусства, призванного спасти мир»

Андре Сальмона

Пабло Пикассо «Три музыканта» 1921г.

Кубизм — это Авангардистское художественное направление изображавшее предметы действительности деформированными либо разложенными на простые геометрические формы. Основной идеей кубизма было отрицание трехмерной реальности.

Кубисты не хотели, чтобы их картины были похожи на фотографии, и не считали такие достижения академической живописи как «светотень», «переспектива», «оптический реализм» ведущими средствами художественной выразительности.

Таким образом, главное отличие кубизма от классического искусства является то, что он не основан на имитации.

Жорж Брак «Дома в Эстаке» 1908г.

Термин «Кубизм» появился в 1908г., мне известны две версии его появления. По первой, термин появился после того как Анри Матисс увидев пейзажи «Дома в Эстаке», написанные Жоржем Браком, воскликнул: «Что за кубики» (фр.

bizarreries cubiques); по второй — после того как художественный критик Луи Восель назвал новые картины Брака «кубическими причудами».

Насмешливое название вошло в обиход, но, акцентируя внимание на внешних признаках, оно уводило от подлинной новизны метода и художественного мышления.

«Когда кубисты, в свою очередь, показали условный характер пространства, как его понимал Ренессанс, так же как импрессионисты в свое время показали условный характер цвета предметов, — их встретило такое же непонимание и такие же оскорбления»

Роже Гароди

Сезановский кубизм     Аналитический кубизм     Синтетический кубизм

 

Поль Сезанн -Гора Сент-Виктуар вблизи Гардана-1885

Сезановский кубизм 1907-1909г

Так обычно называется первая фаза кубизма, для которой характерна склонность к абстракции и упрощению форм предметов.

По словам одного из первых исследователей современного искусства Андре Сальмона, кубизм явился реакцией на отсутствие формы в импрессионизме, а его развитие обязано идеям постимпрессионистов, особенно художников-символистов, которые противопоставили чисто живописным целям и интересам импрессионистов явления смыслового порядка. Они утверждали, что настоящей реальностью обладает идея, а не ее отражение в материальном мире.

Роль художника, таким образом, состоит в том, чтобы создавать символические формы для воплощения идей, а не имитировать изменчивый облик вещей.

Поль Сезанн. «Гора Сент Виктуар». 1906г.

К первой стадии кубизма относятся произведения искусства, созданные под влиянием французского художника Поля Сезанна.

Сезанн подчеркиваем устойчивость и предметность мира: граненые объемы образуют подобие рельефа, а цвета выделяют определенные грани предметов, одновременно усиливая и дробя объем.

Сезанн говорил своему другу Иоахиму Гаске (Гаше), указывая на свою любимую гору Сент-Виктуар: «Какой взлет, какая властная жажда солнца и какая печаль, особенно вечером, когда вся тяжеловесность как бы опадает. Эти гигантские глыбы образовались из огня. В них до сих пор бушует огонь…»

Пабло Пикассо «Фабрика в Хорта де Эбро», 1909г.

Жорж Брак «Замок Ла-Рош-Гюйон» 1909 г.

Призматические постройки теснятся и громоздятся друг над другом, плоскости начинают раскачиваться и разворачиваться в разных направлениях. Геометрический костяг, не поддерживает а разрушает её промахами линий и произвольными переносами плоскостей.

 Отличительная черта Сезановского кубизма, это упрощение объемов на основе пейзажей, фигур, натюрмортов, написанных непосредственно с натуры. В композициях этого периода, созданных Пабло Пикассо и Жоржем Браком, большие граненые объемы плотно раскладывались на плоскости полотна, что создавало ощущение рельефности в изображении.

Колористическая палитра, оттеняя отдельные стороны объекта, подчеркивала и дробила объем.

Пабло Пикассо «Авиньонские девицы», 1907г.

Осенью 1907 произошли два важных события: ретроспективная выставка Сезанна и знакомство Брака и Пикассо. Лето 1907 Брак провел в Эстаке, где увлекся живописью Сезанна. С конца 1907 Брак и Пикассо начали работать в кубистическом стиле.

В одном из писем Сезанн рекомендует молодому художнику Пабло Пикассо рассматривать нитуру как совокупность простых форм — сфер, конусов, цилиндров. Он имел в виду, что эти базисные формы нужно держать в сознании как организующее начало куртины, но Пикассо и Брак восприняли совет буквально.

Пабло Пикассо. «Портрет Амбруаза Воллара» 1910 г.

Аналитический кубизм 1909-1912г

Различия между пространством и формой стираются. Исчезают образы предметов. Кубизм переходит в следующую фазу — аналитического кубизма. Этот период характеризуется появлением переливчатых цветов полупрозрачных пересекающихся плоскостей.

Формы постоянно располагаются в пространстве по-разному. На полотне Пабло Пикассо «Портрет Амбруаза Воллара» 1910 г. контрасты цвета и фактурысведены до минимума, чтобы они не мешали выявлению конструкции, и картина с ее приглушенной тональностью кажется почти монохромной.

Построение усложняется, и последовательно проводится единый принцип.

Пабло Пикассо «Портрет Даниэля-Анри Канвайлера» 1910 г.

Предмет разбивается на мелкие части, легко отделимые друг от друга. Таким образом художник пытается представить объект вне времени и пространства, игнорируя привычные законы восприятия. В результате полотна приобретали разнообразные стереометрические эффекты: объем превращался в плоскость, передняя грань – в боковую, линии внезапно разрывались, формы смешивались.

То есть на аналитической стадии предмет полностью дробился на составляющие его части, расслаивался на мелкие грани, отделенные друг от друга. Р.

Делоне по этому поводу говорил: «Элементы объемов еще более распадаются, палитра сводится к черному, белому, к их распаду на промежуточные тона и к землистым краскам.

Линии становятся более ломанными, формы являющегося мира – менее артикулированными… Перед нами эпоха аналитического кубизма».

Пабло Пикассо «Девушка, играющая на мандолине» 1910 г.

Альбер Глез «Две женщины сидящие у окна»

Перспектива окончательно сломана. Вместо предмета, изображенного в ракурсе, художник стремится перенести на полотно его след, геометрическое место точек, плоский отпечаток, и притом с разных сторон одновременно. Таким образом, картина становится коллекцией отдельных аспектов формы, разрезанной на мелкие куски.

Аналитический кубизм развили авторы из художественного объединения «Золотое сечение»: Альбер Глез, Марсель Дюшан, Раймон Дюшан-Вийон, Жан Метценже и Жак Вийон.

Жорж Брак. Газета, бутылка, пачка табака («Курьер»). 1914 г

Синтетический кубизм 1912-1914 г

Синтетическим называют эту фазу кубизма из-за того, что формы в этом случае воссоздаются заново.

Но есть и другое название — «коллажный кубизм», от французского слова «collage» — техники склеивания, с которой все началось.

В течение года Пикассо и Брак создавали натюрморты, почти полностью составленные из приклеенных кусочков разных материалов, с последующим приданием композиции завершенности всего несколькими линиями. 

Характерной особенностью синтетического кубизма является отрицание третьего измерения в живописи и акцент на живописной поверхности. Фактура поверхности, линия и узор – все используется для того, чтобы сконструировать новый объект.

Пабло Пикассо «Гитара». 1920 г.

Картины становятся более декоративными и красочными. Когда разложение форм достигает максимума, угрожая перейти в абстракцию, появляются графические знаки — надписи, цыфры, ноты, буквы, а так же  газеты, цветная бумага.

Французский критик Ален Жуфруа заметил, что они заимствованы из типичного антуража кафе — ценники, этикетки, меню, вывески, газеты на столе. Картина становится похожей на коллаж.

Нередко художники не составляли коллажи из дополнительных материалов, а полностью рисовали его.

Пабло Пикассо — «Бутылка Басса, кларнет, гитара» 1913 г.

Пикассо любил играть со словами, превращая, например livre fleur (книга-цветок) в ivre fleur (пьяный цветок); или этикетку со словами Bass (марка вина) в Pass (ставка, ход).

Жорж Брак «Ария Баха» 1913 г.

В картинах Брака чаще встречаются надписи из сферы музыки — «Моцарт», «Концерт», «Соната», «Этюд», «Вальс», «Ария Баха».

Считая традиционную живопись исчерпавшей свои возможности, кубисты взялись за каждый из элементов, образующих словарь этого искусства, — форму, пространство, цвет, технику исполнения — и заменили традиционное их применение своей собственной интерпретацией.

«Системе перспективы, — пишет Голдинг, — которая господствовала в европейской живописи со времен Ренессанса, кубисты противопоставили право художника двигаться вокруг его предмета, включая в его облик информацию, почерпнутую из предшествующего опыта или знания…» 

«Время -форма», пишет католический мистик Глез, становится на место «пространства-формы».

Х. Грис. Рюмки, газета и бутылки вина, 1913

Хуан Грис испанский декоратор, живописец иллюстратор, скульптор в 1913 году создает натюрморты в стиле синтетического кубизма, отказавшись от монохромности. Подражая Ж.Браку и П.Пикассо он использовал прием коллажа – аппликации из газетных вырезок, кусочков обоев или разбитого стекла.

КУБИЗМ

Кубизм в искусстве

КУБИЗМ (фр. cubismе, cube – куб), направление во французском искусстве 1900–1910-х, начало которому положило совместное творчество Пабло Пикассо и Жоржа Брака в десятилетие, предшествовавшее Первой мировой войне.

Наивысшего расцвета достиг в 1911–1918. Для произведений художников этого направления характерно преобладание прямых линий, острых граней и кубоподобных форм.

Термин «кубизм» впервые применил критик Леон Восель в 1908, описывая работы Брака, отвергнутые Осенним салоном этого года.

Кубизм представляет собой сложное художественное явление, объединившее живописцев и скульпторов, музыкантов и поэтов.

Простую формулировку основных целей и принципов кубизма дать довольно трудно; в живописи можно выделить три фазы этого направления, отражающие разные эстетические концепции, и рассмотреть каждую в отдельности: сезанновский (1907–1909), аналитический (1909–1912) и синтетический (1913–1914) кубизм.

Сезанновский кубизм

Так обычно называется первая фаза кубизма, для которой характерна склонность к абстракции и упрощению форм предметов.

По словам одного из первых исследователей современного искусства Андре Сальмона, кубизм явился реакцией на отсутствие формы в импрессионизме, а его развитие обязано идеям постимпрессионистов, особенно художников-символистов, которые противопоставили чисто живописным целям и интересам импрессионистов явления смыслового порядка. Следуя трансцендентализму конца 19 в.

, они утверждали, что настоящей реальностью обладает идея, а не ее отражение в материальном мире. Роль художника, таким образом, состоит в том, чтобы создавать символические формы для воплощения идей, а не имитировать изменчивый облик вещей.

Эта концепция стала поводом к анализу средств, находящихся в распоряжении художника, выяснению их выразительных возможностей и утверждению идеала чисто экспрессивного искусства, подобно музыке мало зависящего от внешнего мира. У символистов эксперименты в этой области в первую очередь относились к линии и цвету, но такой аналитический подход, однажды примененный, неизбежно привел и к анализу формы.

Непосредственное влияние на формирование кубизма оказали эксперименты с формой в живописи Поля Сезанна. В 1904 и 1907 в Париже прошли выставки его работ. В портрете Гертруды Стайн, созданном Пикассо в 1906, уже чувствуется увлечение искусством Сезанна.

Затем Пикассо написал картину Авиньонские девицы, которая считается первым шагом на пути к кубизму. В ней, вероятно, воплотился интерес художника к примитивной иберийской и негритянской скульптуре.

В течение 1907 и в начале 1908 Пикассо продолжал использовать в своих работах формы негритянской скульптуры (позднее это время стали называть «негритянским» периодом в его творчестве).

Осенью 1907 произошли два важных события: ретроспективная выставка Сезанна и знакомство Брака и Пикассо. Лето 1907 Брак провел в Эстаке, где увлекся живописью Сезанна. С конца 1907 Брак и Пикассо начали работать в кубистическом стиле.

Кубисты, находившиеся под сильным влиянием некоторых постулатов, сформулированных Сезанном и опубликованных Эмилем Бернаром осенью 1907, стремились выявить простейшие геометрические формы, лежащие в основе предметов.

Чтобы полнее выразить идеи вещей, они отвергли традиционную перспективу как оптическую иллюзию и стремились дать их всеобъемлющее изображение посредством разложения формы и совмещения нескольких ее видов в рамках одной картины.

Повышенный интерес к проблемам формы привел к разграничению в использовании цветов: теплые – для выступающих элементов, холодные – для удаленных.

Аналитический кубизм,

вторая фаза кубизма, характеризуется исчезновением образов предметов и постепенным стиранием различий между формой и пространством.

В картинах этого периода появляются переливчатых цветов полупрозрачные пересекающиеся плоскости, положение которых четко не определено.

Расположение форм в пространстве и их отношение к крупным композиционным массам постоянно меняется. В результате возникает визуальное взаимодействие формы и пространства.

Элементы аналитического кубизма появились в работах Брака уже в 1909, а в произведениях Пикассо – в 1910; однако более сильный импульс развитию этой фазы стиля дало художественное объединение «Золотое сечение», которое основали в 1912 Альбер Глез, Жан Метценже и братья Марсель Дюшан, Раймон Дюшан-Вийон и Жак Вийон.

В том же году вышла книга Глеза и Метценже О кубизме, а в 1913 поэт Гийом Аполлинер опубликовал книгу Художники-кубисты. В них были изложены основные принципы эстетики кубизма, в основе которой лежала концепция динамического, постоянно изменяющегося универсума Анри Бергсона, а также открытия естественных наук и математики, сделанные на заре индустриальной эпохи.

Художнику отводилась роль создателя нового способа видения мира.

Синтетический кубизм

отметил радикальное изменение в художественном восприятии движения. Впервые это проявилось в произведениях Хуана Гриса, который стал активным приверженцем кубизма с 1911. Синтетический кубизм стремился обогатить реальность созданием новых эстетических объектов, которые обладают реальностью сами по себе, а не являются лишь изображением видимого мира.

Для этой фазы стиля характерно отрицание значимости третьего измерения в живописи и акцентирование живописной поверхности.

Если в аналитическом и герметическом кубизме все художественные средства должны были служить созданию изображения формы, то в синтетическом кубизме цвет, фактура поверхности, узор и линия используются для конструирования (синтезирования) нового объекта.

Первые признаки этого направления наметились уже в 1912, но наиболее полное воплощение оно получило в коллажах 1913. На холст наклеивались разных очертаний и фактуры фрагменты бумаги – от газет и нот до обоев.

Художники утверждали, что поверхность картины представляет собой не иллюзорное воспроизведение реальности, а самодостаточный объект.

Вскоре, однако, кубисты оставили технику аппликации, потому что, как им казалось, фантазия художника может создавать более богатые комбинации элементов и фактур, не ограничиваясь возможностями бумаги.

К 1920-м годам кубизм практически окончил свое существование, оказав заметное влияние на развитие искусства 20 в.

2. Зарождение кубизма

Кубизм в искусстве

План

1. Введение

2. Зарождение кубизма.

3. Новаторство кубистов.

4. Творчество Жоржа Брака.

5. Пабло Руис Пикассо.

5.1. Образование. Барселона.

5.2. Первые поездки в Париж. “Голубой” и “розовый” периоды.

5.3. Накануне кубизма.

5.4. Кубизм.

5.5. Дальнейшая жизнь и творчество.

5.6. “Авиньонские девицы”.

6. Поэты кубизма.

7. Влияние кубизма на искусство.

8. Кубизм в России.

9. Художник Казимир Малевич.

10. Заключение.

11. Список использованной литературы.

«Надо уметь выбирать. Одна

и та же вещь не может быть

и правдивой, и правдоподобной».

Жорж Брак

1. Введение

Кyбизм – (фpaнц. cubisme, oт cube – кyб) направление в искусстве первой чeтвepти XX вeкa. Плacтичecкий язык кубизма основывался нa деформации и разложении предметов нa геометрические плоскости, пластическом сдвиге фopмы.

Кубизм отрицает изображение предметов в том виде, как мы их представляем. Он стремится найти способ выражения их сути. Кубизм низводит формы до основных геометрических схем, раскладывает предметы на составные части и объединяет их в абстрактное целое плоского декоративного изображения.

Пабло Пикассо, одному из первых художников-кубистов, принадлежат следующие слова: «Я пишу объекты такими, как я их мыслю, а не такими, как я их вижу». Ведь в действительности, когда мы смотрим на человеческое лицо в профиль, мы видим лишь один глаз, одну бровь.

И воспринимаем объект во всей целости, домысливая, что у него, конечно же, есть и второй глаз. На кубистическом же портрете, будь то фас или профиль, объект предстает перед нами увиденный автором сразу с нескольких точек. Автор совмещает их в одном образе.

Свои первые шаги художники кубисты делали именно в жанрах портрета, натюрморта, пейзажа. Как правило, это были монохромные полотна.

Многие русские художники прошли через увлечение кубизмом, часто соединяя его принципы с приемами других современных художественных направлений – футуризма и примитивизма. специфическим вариантом интерпретации кубизма на русской почве стал кyбoфyтypизм.

Влияние кубизма в изобразительном искусстве продолжалось до 1960-х годов. К русским кубофутуристам можно отнести К. Малевича с его знаменитой картиной “Черный квадрат”

В своей работе я расскажу об истоках этого направления в искусстве, о выдающихся художниках кубизма, остановившись подробно на творчестве Жоржа Брака и Пабло Пикассо, а так же российского художника Казимира Малевича; уделю большое внимание картине Пикассо «Авиньонские девицы», а так же постараюсь увидеть мир глазами этих загадочных и притягательных мастеров своего загадочного и притягательного искусства.

С середины XIX века отход от господствующей в это время в изобразительном искусстве натуралистической традиции резко ускоряется. Живопись, графика, скульптура обращаются к тому, что недоступно прямому (“буквальному”) воспроизведению.

Отработка новых изобразительных средств, стремление к типизации, повышенной экспрессии, созданию универсальных символов,сжатых пластических формул направлены, с одной стороны, на отображение внутреннего мира человека, его состояния (психического, эмоционального), с другой – на усиление выразительности, информативности “телесной” структуры вещей, обновление видения предметного мира вплоть до задачи создания “самостоятельного живописного (изобразительного) факта”, конструирования “новой реальности”.

Женская стоящая фигура. П.Пикассо. 1907 год

Последняя выставка импрессионистов в 1886 г. знаменует конец классического периода европейского искусства. Начиная с этого времени в европейской живописи одно за другим возникают многочисленные течения, существующие более или менее длительное время: югендстиль, экс-прессионизм, неоимпрессионизм, пуантилизм, символизм, кубизм, фовизм.

“В анархии эмоциональных ценностей в конце прошлого века, – писал австрийский живописец Вольфганг Паален, – люди, обратившиеся к искусству как к последнему прибежищу, начинают понимать, что внутренняя природа вещей так же значительна, как и внешняя.

Вот почему Сёра, Сезанн, Ван Гог и Гоген открывают новую эру в живописи: Сёра – своим стремлением к структурному единству, к объективному методу, Ван Гог – своим цветом, который перестает играть описательную роль, Гоген – смелым выходом за рамки западной эстетики и особенно Сезанн – решением пространственных задач”.

Паален сжато охарактеризовал важнейшие этапы художественного процесса, непосредственно предшествовавшие открытию примитивного искусства и тому перелому, который намечается в европейском искусстве около 1907 г.

1907 год считается поворотным в отношении к традиционному, в первую очередь африканскому искусству, вместе с тем это рубеж, от которого берут начало новейшие художественные направления. 1906 год – год смерти Сезанна – знаменует начало особенно глубокого его влияния на целое поколение художников. Позднее этот период был назван историками искусства “сезанновским”, или “негритянским”.

Анализируя творчество Сезанна и в особенности его последние работы, в которых он ближе всего подходит к решению поставленных пространственных задач, сопоставляя их с наиболее характерными образцами африканской пластики, являющими подчас идеальные примеры воплощения этих пространственных решений, можно с уверенностью сказать, что именно творчество Сезанна стало последним и, возможно, решающим в ряду факторов, заставивших по-новому взглянуть на примитивное искусство.

Осязаемая весомость образов, которой стремился достичь Сезанн, пытаясь посредством выявления ритмических, геометрических структур проникнуть в сущность вещей и явлений и отобразить эту сущность, составляет, по общему признанию, основное качество африканской пластики.

Таким образом, творчество Сезанна, бывшее логическим результатом всего предшествующего развития европейской живописи, в известном смысле близкое к творчеству Ван Гога, Гогена и Сёра, сыграло решающую роль в создании объективных условий, при которых африканское искусство было включено в мировой художественный процесс.

Наступает момент совместимости: чужеродная эстетическая система не только признана, но и “взята на вооружение” художественной практикой.

Более того, примитивное искусство само стало инструментом открытия, и в этом глубинная суть рассматриваемого процесса.

Оно открыло глаза художникам, обнаружившим там, где они меньше всего ожидали, новую систему художественных ценностей, принципиально отличную от той, которой тысячелетиями следовало европейское искусство.

Таким образом, в основу концепции кубизма легла “языческая” культура, которая в свое время вызвала к жизни искусство античности, а позднее дала новые ростки в эпоху Возрождения.

Она освобождала художественное творчество от салонной легковесности, возвращала его к раскрытию сущности вещей и явлений, делая искусство в соответствии с тенденцией времени инструментом познания.

В своих последовательных проявлениях новое течение, условно получившее название “кубизм”, явило зрителям структуры, как бы обнажающие скелеты предметов.

Ощущения зрителя, оказавшегося на выставке перед полотнами кубистов, можно сравнить с ощущениями человека, собравшегося совершить приятное путешествие, а вместо этого получившего приглашение участвовать в прокладке новых путей.

Реакция публики доказывала, что переход к новому направлению произошел скачкообразно, несмотря на длительный подготовительный период, за время которого столичный европейский зритель должен был бы значительно расширить свой кругозор.

После признания Ван Гога уже нельзя было считать гладкопись и натуралистичность цвета непременным условием “хорошей живописи”; жизнь и работы Гогена привлекли внимание к “примитивным” культурам и научили видеть не столько их незрелость, сколько качественно иное их состояние, предполагавшее немало ценного и поучительного; творчество Сёра явило пример возможности использования научных методов для решения художественных проблем; наконец, творческий метод Сезанна, особенно техника его последних работ, столь близкая к технике ранних кубистских работ Брака, казалось, должна была способствовать если не пониманию, то хотя бы признанию права на существование этого эксперимента, который называют самым смелым в истории искусства. И все же работы Брака, как и последующие работы кубистов, были отвергнуты жюри и стали надолго мишенью критики и предметом скандала для широкой публики.

Новое направление в изобразительном искусстве и литературе, родившееся в эпоху открытия “l’art negre” (искусство негров) и тесно с ним связанное, безусловно, не было единственным горнилом, где создавался сплав новой художественной культуры.

Связь кубизма с открытием африканской скульптуры очевидна. Хотя вопрос, кто именно является первооткрывателем африканской скульптуры, остается спорным, ни у кого не вызывает сомнений, что ее урок впервые был основательно воспринят молодым, но уже достаточно известным в то время испанским живописцем Пабло Пикассо.

3. Новаторство кубистов.

Если живопись импрессионистов провозгласила условный характер цвета, то кубисты выразили новый подход к реальности через условный характер пространства. Ж.

Брак писал: “не нужно даже пытатьсяподражать вещам, которые преходящи и постоянно меняются, и которые мы ошибочно принимаем за нечто неизменное”. Американский искусствовед Дж.

Голдинг писал, что кубизм – “самая полная и радикальная художественная революция со времен Ренессанса”.

Хуан Грис. Ваза с фруктами и графин. 1914 год.

Это течение одним из первых воплотило ведущие тенденции дальнейшего развития искусства ХХ века. Одной из этих тенденций стало доминирование концепции над художественной самоценностью картины. Еще Гегелем (1770-1831гг.

) было замечено, что искусство нового времени все более проникается рефлексией, образное мышление вытесняется абстрактным, так что грань между искусствоведением и практическим творчеством становится слишком тонкой.

Если в кубизме эта тенденция присутствовала в зачаточном состоянии, то в искусстве постмодернизма она становится довлеющей.

Кубизм в европейском искусстве

Кубизм в искусстве

⇐ ПредыдущаяСтр 4 из 7Следующая ⇒

Кубизм – течение в европейском искусстве первой четверти XX в. Наибольшее распространение получило во Франции. Начало кубизма относят к 1907г., когда П. Пикассо выставил свое полотно “Авиньонские девицы”.

В кубизме подчеркивалась материальность и трехмерность изображения, сведенного к элементарным геометрическим формам – кубу, шару, цилиндру и другим фигурам. Кубисты во многом отталкивались от негритянской скульптуры и творчества Сезанна. Первая фаза кубизма (1907-09) получила название “аналитической“.

В это время в произведениях кубистов предмет “анализировался” – разлагался на простейшие формы и вместе с тем сохранял свою узнаваемость; художник стремился показать предмет со всех сторон. С 1910-11гг. берет начало “синтетический” кубизм.

В произведениях этого периода естественные связи предметов распадаются и их составляющие становятся исходным материалом для последующего синтеза, свободных построений. Большое место в кубизме занимала техника коллажа, интерес к фактуре. В эти же годы появилась и кубистическая скульптура. Крупнейшими мастерами кубизма были Пикассо, Ж. Брак, X. Грис.

С середины 19 века отход от господствующей в это время в изобразительном искусстве натуралистической традиции резко ускоряется. Живопись, графика, скульптура обращаются к тому, что недоступно прямому (“буквальному”) воспроизведению.

Отработка новых изобразительных средств, стремление к типизации, повышенной экспрессии, созданию универсальных символов, сжатых пластических формул направлены, с одной стороны, на отображение внутреннего мира человека, его состояния (психического, эмоционального), с другой – на усиление выразительности, информативности структуры вещей, обновление видения предметного мира вплоть до задачи создания “самостоятельного живописного факта”, конструирования “новой реальности”.

Последняя выставка импрессионистов в 1886 г. знаменует конец классического периода европейского искусства. Начиная с этого времени в европейской живописи одно за другим возникают многочисленные течения, существующие более или менее длительное время: югендстиль, экс-прессионизм, неоимпрессионизм, пуантилизм, символизм, кубизм, фовизм.

1907 год считается поворотным в отношении к традиционному, в первую очередь африканскому искусству, творчество Сезанна стало последним и, возможно, решающим в ряду факторов, заставивших по-новому взглянуть на примитивное искусство.

Таким образом, в основу концепции кубизма легла “языческая” культура, которая в свое время вызвала к жизни искусство античности, а позднее дала новые ростки в эпоху Возрождения. Она освобождала художественное творчество от салонной легковесности, возвращала его к раскрытию сущности вещей и явлений, делая искусство в соответствии с тенденцией времени инструментом познания.

Столь близкая к технике ранних кубистских работ Брака, казалось, должна была способствовать если не пониманию, то хотя бы признанию права на существование этого эксперимента, который называют самым смелым в истории искусства. И все же работы Брака, как и последующие работы кубистов, были отвергнуты жюри и стали надолго мишенью критики и предметом скандала для широкой публики.

В 1905 г. Пикассо создает свою знаменитую серию “Акробаты”, “Девочка на шаре”, “Семья акробатов”и другие композиции “розового” периода, детализированные, близкие к натуре, чем предыдущие работы.

Они не предвещают того перелома в творчестве художника, который наступает внезапно и со всей резкостью проявляется впервые в большой композиции “Авиньонские девицы”. Эта картина была начата в 1906 г. в манере, довольно близкой предыдущим: портрет Гертруды Стайн, “Две обнаженные женщины” (1906 г.).

Но когда она была закончена, в 1907 г., в ней не осталось ничего, что напоминало бы прежнего Пикассо “розового” периода. Пять обнаженных женских фигур, изображенных в разных ракурсах, заполняющих почти всю поверхность холста, как бы грубо вытесаны из твердого дерева или камня.

Тела предельно обобщены, лица лишены выражения. Складки драпировок, составляющих фон картины, создают ощущение распада и дисгармонии.

Именно эта картина, так и оставшаяся непризнанной, знаменует начало нового, “негритянского” периода в творчестве Пикассо и нового направления в мировом искусстве – кубизма.

Геометрическая простота фигур – именно то, что прежде всего бросается в глаза в “Авиньонских девицах”. Причем лица двух правых фигур прямо ассоциируются с африканскими ритуальными масками. По рисунку и цвету эти головы резко отличаются от остальных, и композиция в целом производит впечатление незаконченности.

1906 г. был определяющим для дальнейшей направленности его творчества, именно в это время Пикассо переходит от реализма сентиментального к реализму пластическому.

Кубизм не оказал бы такого влияния на развитие мирового искусства, если бы остался делом одного-двух живописцев. Подхваченное десятками и сотнями художников во всех странах мира, это дело оказалось столь значительным потому, что расширило художественный кругозор, раздвинув границы европейской эстетики.

Официальная родословная кубизма начинается с “Авиньонских девиц”, со вступления Пикассо в “негритянский” период, с начала совместной работы группы французских художников и поэтов, в центре которой – П.Пикассо, Ж.Брак, Х.Грис, Ф.Леже, Г.Аполлинер, М.Жакоб и др.

Одним из первых испытал влияние африканского искусства А.Дерен. В его картине “Купальщицы” (1906) можно обнаружить черты, связывающие ее, с одной стороны, с африканской скульптурой, с другой – с творчеством Сезанна. Многие исследователи, считают, что картина оказала известное влияние на Пикассо в период создания им “Авиньонских девиц”.

Большинство подготовительных этюдов к “Авиньонским девицам”, рисунки, отдельные композиции Пикассо 1906–1910 гг. сделаны под непосредственным впечатлением от африканской скульптуры.

Такие холсты, как “Обнаженная в лесу” (1908) и другие картины этой серии, воспринимаются как живописная интерпретация пластических ритмов традиционной скульптуры.

Другие его работы: “Три обнаженные женщины”(1907–1908) и карандашные наброски к этой картине, “Обнаженная с драпировкой” (1907), “Обнаженная с полотенцем” (1907) – передают то новое отношение к форме, которое позднее выявится в пластических символах.

В этих работах еще заметна забота о фактуре, сохранение некоторой живописности предыдущего периода. Об этих и особенно последующих работах, таких как “Королева Изабо” (1909), “Купальщица” (1908–1909), “Крестьянка” (1908), “Девушка с мандолиной”(1910)и др., можно сказать то же, что и об африканской скульптуре.

Обобщенные, рубленые формы монументальной живописи и скульптуры уже стали привычными, и теперь может показаться странным, что столь важное место отводится работам Пикассо, в которых человеческие лица и фигуры предельно упрощены, геометризованы, лишены какой бы то ни было индивидуальности. Дело в том, что именно картины Пикассо 1910-х годов и подготовительные наброски позволяют видеть, как и из чего складываются основные параметры нового направления, как и под воздействием чего именно совершался перелом, и на этом примере (который не случайно оказался столь заразительным) понять перемены, происходившие в это время во французском искусстве. Творчество П.Пикассо, Ж.Брака, Х.Гриса, Ф.Леже, Ж.Метценже, А.Глеза и др. стало определяющим для раннего этапа кубизма и соответствующего периода в истории французского и мирового искусства.

Особый интерес в этом плане представляют два рисунка женской фигуры со спины с поднятыми руками, выполненные весной 1907 года. Здесь уже в полной мере использован принцип архитектурного сочленения.

Фигура составлена из нескольких самостоятельных “чистых” объемов: голова (шар), руки (прямоугольник) и отделенные от туловища, четко очерченные как самостоятельные объемы, ноги. Считается, что в это время Пикасо еще не был знаком с африканской скульптурой.

Вместе с тем принцип архитектурного построения – именно то, что в первую очередь привлекло к ней внимание художников. Вскоре в рисунках Пикассо не только фигура, но и лицо распадается на отдельные элементы. Рот, глаз, ухо становятся чем-то вроде универсальных деталей.

На лице прежде и разительнее всего меняется способ изображения носа. Теперь он начинает жить своей собственной, отдельной жизнью.

Впрочем, в нем нет ничего живого: это каменный или деревянный скошенный брус – архитектурная деталь, элемент чудовищного конструктора.

Можно было бы бесконечно гадать о происхождении и значении этого элемента, если бы не его очевидная связь с кубом в “Девочке на шаре”.

В Дальнейших работах кубистов все большее место занимает натюрморт. Натюрморты Брака и Гриса 1910–1913 гг. принадлежат к числу лучших, наиболее совершенных и законченных кубистских работ.

Итак, целью художественного творчества для кубистов, так же как и для первобытных и традиционных художников, является не отражение или отображение, а создание новой, иной реальности – явлений, стоящих в одном ряду с явлениями действительности, а не производных от них.

Изображенные в их натюрмортах предметы порой приобретают большую весомость, материальность, чем сама натура, а портреты, составленные из геометрических фигур, сохраняют даже внешнее сходство с оригиналом.

В центре внимания художника-кубиста не приметы внешности, а конструкция, архитектоника предмета, не фактура, а структура. Работая над образом, он стремится максимально освободить его от всего преходящего, изменчивого, непостоянного, выявить его подлинную сущность.

Вопреки не прекращавшемуся сопротивлению широкой публики новое течение к 1912–1914 гг. распространяется на все области художественного творчества. Вначале Пикассо, затем А.Лоренс и Ж.

Липшиц создают первые кубистские скульптуры; живописцы-кубисты пишут театральные декорации, иллюстрируют книги и журналы. Соня Делоне создает рисунки для тканей и модели одежды.

“Парад” Жана Кокто (1917) в исполнении дягилевского балета с музыкой Эрика Сати и декорациями Пикассо вошел в историю как триумф нового искусства.

Творчество П. Пикассо

(1881-1973), французский художник. Первые значительные произведения П. относятся уже к началу 1900-х гг.

Картины “голубого периода” (1901—04), написанные в сумрачной, почти монохромной гамме голубых, синих и зелёных тонов, и “розового периода” (1905—06), в колорите которых преобладают розово-золотистые и розово-серые оттенки, посвящены теме трагического одиночества обездоленных (слепых, нищих, бродяг), романтической жизни странствующих комедиантов; они исполнены острого, подчас горького чувства утраченной или ускользающей, мимолётной гармонии человека с миром (“Старый нищий с мальчиком”, 1903; “Девочка на шаре”,1905). Отличающиеся тонкостью цветового строя, пластичностью форм и в то же время остротой лаконичного рисунка, эти произведения П. отмечены проникновенностью социально-психологической характеристики человека.

В 1907 П. решительно порывает с реалистической традицией мировой живописи.

Обостренно, в большей мере интуитивно, нежели осознанно, ощущая кризис буржуазного общества и его гуманитарной культуры, новые трагические условия существования, не видя в капиталистическом мире общественных сил, а в современном искусстве ценностей, способных противостоять пугающей действительности, П.

подвергает её в своём творчестве безжалостному искажению. Сознательная деформация натуры (“Авиньонские девушки”, 1907), а также односторонняя интерпретация системы Сезанна и увлечение африканской скульптурой приводят его к созданию кубизма.

Разлагая предмет на составные геометрические элементы, оперируя комбинациями ломающихся плоскостей и громоздящихся объёмов, он отрицает реальный мир, существующий вне нас, и само изобразительное начало искусства, заменяя его “активностью” художника, чей субъективный произвол принимает форму геометрической игры отвлеченных элементов, разрушающих чувственно-наглядные образы вещей. Некоторые произведения П. кубистического периода не лишены декоративного изящества и эмоционального звучания. (“Дама с веером”, 1909), а в ряде случаев сохраняет и остатки реальных образов (портрет А. Воллара,1910).

С середины 10-х гг., наряду с опытами в области фактуры (“Бутылка аперитива”, коллаж, 1913) и поисками чистой декоративности (“Три музыканта”, 1921), завершающими период кубизма, в творчестве П.

возникают неоклассические тенденции; это нашло отражение в таких работах, как “Три женщины у источника” (1921), “Мать и дитя” (1922), иллюстрации к “Метаморфозам” Овидия (офорт, 1931), серия “Мастерская скульптора” (1933—34). Характерными для неоклассицизма П. являются настроения сказочной идиллии, графическое изящество линий.

Более реальным представлением о человеке проникнуты появляющиеся в его творчестве с конца 10-х гг. образы современников, людей из народа (рисунки — “Рыбак”, карандаш, 1918; “Отдыхающие крестьяне”, перо, 1919).

Резким контрастом по отношению к этим произведениям являются многие работы 20—30-х, с их безудержной трансформацией натуры (“Танец”, 1925).

Обе линии — гуманистически-элегическая и иррационально-фантастическая — сталкиваются в серии “Минотавромахия” (офорт, 30-е гг.), воплощающей в символическом образе Минотавра (человека-быка) извечную борьбу светлого, разумного начала с тёмным; серия словно проникнута болезненно-острым предчувствием той трагедии, в которую вскоре будет повергнут мир.

Со 2-й половины 30-х гг. творчество П. всё сильнее пронизывают отзвуки современных событий; его реакция на господствующий в буржуазном мире дух насилия, попрание человеческих прав, боль и страдания людей (“Плачущая женщина”, 1937; “Кот и птица”,1939).

С этого же времени во всей полноте начинает выявляться общественная позиция П. Человеконенавистническая сущность фашизма разоблачается им в серии “Мечты и ложь генерала Франко” (акватинта, 1937).

Гневным протестом против фашистского террора является монументальное панно “Герника” (1937), в котором экспрессия манеры П. тех лет достигает своего высшего накала.

Передовые, гуманистические воззрения П. проявляются в его работах: рисунок “Голубь мира” (тушь, 1947), ставший символом движения за мир; панно “Мир” и “Война” (1952). Со 2-й половины 40-х гг. творчество П. особенно многообразно.

Он продолжает создавать станковые живописные произведения, возвращаясь в них к античным реминисценциям, продолжая свою полемику против реалистического искусства. П. работает и как скульптор (“Человек с ягнёнком”, бронза, 1944, статуя в Валлорисе), керамист (около 2000 изделий) и очень много как график, использующий широкий диапазон техник (рисунок, офорт, линогравюра, литография и др.

) и изобразительных средств (тонкая, то гибкая, то резкая линия, мягкие монохромные или сочные контрастные пятна). В эти годы вновь проявляется характерная особенность творческого метода П.— принцип серийности (цикл рисунков и литографий “Человеческая комедия”, 1953—54, и др.). Новые, иногда загадочные образные метафоры находит П.

, продолжая обращаться к своим постоянным, излюбленным темам — цирку, бою быков, античной мифологии, мотивам художника и модели, спящего и созерцающего. Большое место в его наследии занимают женские портреты.

⇐ Предыдущая1234567Следующая ⇒

Рекомендуемые страницы:

Поделиться новостью